Examensarbeten master, Högskolan för scen och musik

Permanent URI for this collectionhttps://gupea-staging.ub.gu.se/handle/2077/24950

Browse

Now showing 1 - 20 of 200

Grafisk notation, interpretation och musikalisk gestaltning med utgångspunkt i Torsten Nilssons ”Nativitas Domini”
(2025-09-16) Forssell Eriksson, Gunilla; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
Septem Improvisationes pro organo op 27 by Torsten Nilsson is a suite of seven organ pieces composed during the 1960s and 70s. The suite is a high point in Swedish organ composition in the style prevailing at the time. The work contains a mixture of graphic notation and traditional notated sections. The use of symbols and graphics indicates the necessity to improvise certain passages and therefore it allows a great deal of free expression. The music combines Gregorian tradition with avant-garde context and is linked to a biblical event with accompanying Bible quotes. As a starting point for my analysis, I use the second piece in the suite, “Nativitas Domini”. It was written in 1968-69 for Gustavi Cathedral's organ and is dedicated to the then cathedral organist Henrik Jansson, who also was a good friend to the composer. The piece is based on the antiphon to a Gregorian introitus, traditionally sung on Christmas Day: Puer natus est nobis. The work is built up of alternating strict and freer sections. Part of my analysis consists of how the hymn, with text about the incarnation, correlates with the piece. The graphic representation of the music is here inventoried and the biblical text from Luke's Gospel about the birth of Jesus is placed in the sheet music to better enhance the musical performance of the content of the text when playing. An inventory of recordings is made to find similarities and differences in behaviour practices. Conversations with organists with this piece in their repertoire are carried out and different techniques are tried out in my own exploration at the organ. This part also includes different positions in relation to the instrument, the room and contextual conditions. Through problematizing the concept of interaction, my knowledge has broadened both artistically and denominationally: • My ability to musically perform a sequence of events has been improved through both sonorous design by the organ and playing skills in improvisation. • During the study of Torsten Nilsson's incarnation music, my view of church music has deepened.
NÄRVARO I MUSIKEN From practise to presence
(2025-08-21) Stenbäcken, Kalle; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
Detta arbete utforskar samspelet mellan det skrivna partituret och den levande musikaliska närvaron i framförandet av Joel Lundbergs pianoverk Music From a Room. I arbetet undersöks hur ett verk kan förmedla närvaro, både för den som spelar och för lyssnaren, samt hur pianisten kan skapa ett nära förhållande till verket för att fördjupa den musikaliska upplevelsen. Uppsatsen utgår från ett konstnärligt utövarperspektiv där fokus ligger på min egen process som pianist och hur jag har närmat mig Music From a Room. Genom en konstnärlig journal och ljudexempel från arbetet med stycket The Catalyst dokumenteras och analyseras processen med att balansera teknisk precision och känslomässig inlevelse. Journalen erbjuder insikter i hur olika tillvägagångssätt påverkar både musiken och min relation till den under instuderingsfasen. Arbetet har resulterat i en inspelning av albumet Music From a Room, och i uppsatsen reflekterar jag över den konstnärliga processen bakom detta. Centrala frågor är hur tekniska och emotionella aspekter samverkar för att skapa närvaro i musiken, samt hur tolkningen kan fördjupa musikerns upplevelse. Uppsatsen argumenterar för att den konstnärliga processen inte endast handlar om att förverkliga notbilden, utan om att levandegöra musiken genom en dynamisk växelverkan mellan teknik och närvaro. Detta gör musiken till en personlig och meningsfull upplevelse för både utövaren och lyssnaren.
Building Bridges, Exploring Identity A Musical Journey of a Brazilian Cantautora in an Intercultural Context
(2025-07-01) Gurjão Matos, Anna Clara; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This thesis presents the outcomes of my artistic research conducted as a master’s student in the Improvisation and World Music Performance program at the Academy of Music and Drama, University of Gothenburg, Sweden. The present study investigates how a musical identity is constructed and reshaped over time, drawing from my background as a Brazilian singer, guitarist, and songwriter, and examining how exchanges with musicians from different fields and exposure to new artistic inputs can influence my creative practice. Central to the research is finding tools to broaden my expressive possibilities within the song format, through the integration of improvisation, diverse ensemble instrumentation, and inventive strategies for communicating artistic intentions and political concerns through music and stage performance. This work also explores possible approaches for overcoming creative blocks and performance-related fears, especially those related to improvisation, seeking to cultivate a state of freedom, openness, fulfillment and joy while playing.
Electro-Brazilian Rhythms On The Drum Kit
(2025-07-01) Warnby, Fred; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
A work that explores the possibilities of creating hybrid genres on the drum kit to achieve a personal artistic expression. From experimenting with different groove combinations and rhythmical structures to developing concrete practice methods for limb independence, Fred establishes a way to mix electronic and Brazilian rhythms on the drum set. As the work deepens, he continues to explore the hybrid expressions through improvisation, composing and ensemble playing. With the purpose of connecting the otherwise loose threads of a peculiar musical background, he seeks new ways to approach the drum kit to create a united sound that reflects his earlier musical journeys within the electronic and Brazilian traditions.
Trombone Singing and Performance in Interaction. A study on the vocality of the trombone as a resource for the performer
(2025-06-30) Martinelli, Giovanni; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This thesis explores the connections between trombone playing and the human voice, in particular the act of singing, and how singing and the principles of singing can help in playing the trombone, with emphasis on musicality and expressivity. The research is backed by a brief analysis of the historical background of the instrument in relation to the singing voice, and of a selection of excerpts from the trombone repertoire to highlight the connections with the voice and singing. Various theoretical concepts are presented, including Arnold Jacobs’ theory of Song and Wind and concepts related to cognitive science, which form the basis for the practical analysis, the main part of this research. The practical analysis, conducted in two phases, proves that concepts from singing can be applied to trombone playing, and help achieve a better musical performance with ease.
Developing interpretation: Analysis of an oboist’s process on playing the exposition of Mozart’s Oboe Concerto 1st movement
(2025-06-30) Athanasiou, Styliani; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This thesis explores the process of practicing and interpreting the first movement—particularly the exposition— of Wolfgang Amadeus Mozart’s Oboe Concerto in C major, K. 314, a cornerstone work in the oboist repertoire. Recognized as a standard in auditions and performance practice, the concerto demands both technical mastery and stylistic sensitivity. The central research questions addressed are: What performance ideals, both historical and pedagogical, can inform a modern interpretation of this work? and how can the technical challenges of the piece be effectively addressed in the practice process? The study adopts an artistic research methodology rooted in reflective practice. Insights were gathered through lessons with two professional oboe teachers, analysis of scholarly literature on Classical performance practice, and a sustained process of documentation via a practice journal and audio recordings. A pilot study focusing on the first 40 bars of the exposition identified key technical and musical issues, which then informed the strategies used in the main study covering the remainder of the exposition. The results highlight several effective practice techniques, such as rhythmic variation exercises for sixteenth-note passages, targeted use of the metronome and tuner for pitch control and stability, and methods for refining articulation and dynamic phrasing. Teacher feedback played a crucial role in shaping the interpretation, especially regarding articulation nuances, expressive dynamics, and historically informed stylistic choices. The process led to a deeper understanding of Classical phrasing, ornamentation, and the interpretive role of the performer in balancing personal expression with stylistic fidelity
Att bli äkta i sitt sångliga uttryck
(2025-06-26) Wahlström, Helena; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
I den här studien undersöker författaren hur man kan bli äkta i sitt sånguttryck. Dels genom en lyssningsanalys där författaren lyssnar på sångare som hon anser är äkta. Sångarnas uttryck analyseras sedan för att komma fram till de kvaliteter och förmågor de besitter och, till stor del, har gemensamt för att upplevas autentiska. I den andra undersökningen jämförs en låt som författaren komponerat, och som spelats in i olika versioner och med olika musiker vid fem tillfällen under ett flerårigt tidsspann. De olika versionerna analyseras sedan utifrån olika komponenter som författaren anser är viktiga för ett autentiskt sånguttryck. I den tredje undersökningen utformar och utför författaren sångövningar som kan gynna ett sant sånguttryck. Viktiga delar av resultatet är bland annat att man, för att vara äkta i sitt sånguttryck, behöver uttrycka sångtexten utifrån sina egna autentiska känslor, att man behöver sjunga för sin egen skull och inte för att bli bekräftad av andra, att man behöver känna lust och passion till att uttrycka sig genom sången samt att man behöver lyssna till och inspireras av andra sångare som man själv anser är äkta.
Fra instrument til dirigent
(2025-06-19) Brynjulvsrud Haug, Herman; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
Hensikten med denne oppgaven er å finne strateger for å spille in time i et symfoniorkester. Oppgaven setter fokus på de ulike parameterne som inngår i timing i større ensembler med dirigent, og hvordan man som slagverker må forholde seg til disse. Fokuset blir også satt på hvordan ulike instrumentgrupper påvirker timing, og hvordan man som slagverker kan variere innfallsvinklingen til timing basert på det. Oppgaven tar for seg eksperimentering av ulike strategier under orkesterprojekt, samt kontrollerte simuleringer av ulike musikalske scenarioer. Resultatet viser at det ikke finnes et tydelig svar, med ved å ha oversikt over alle de ulike parameterne som påvirker timing, kan man raskere gjøre de justeringene man trenger. Resultatet viser at strategiene blir mest effektive ved å gruppere dem basert på lignende resultat. Dette for å enklere komme frem til hvilke strategier som er mest effektive for det enkelte musikalske scenarioet.
Intuitionens spelrum: skapande i mötet mellan form och frihet
(2025-06-18) Rubinova, Nicole; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
Denna uppsats utforskar samspelet mellan struktur och frihet i konstnärligt skapande, med fokus på improvisation och intuition. Genom ett nyskrivet verk för ensemblen Gageego prövas en metod där en fast kompositionsform gradvis möter en mer intuitiv, grafisk tolkning. Syftet är att undersöka hur musik kan utvecklas från en tydligt definierad struktur till en friare klangvärld utan att förlora sin helhet. Uppsatsen reflekterar över var gränsen går mellan medvetet form byggande och omedveten, intuitiv skapandeprocess och hur dessa motsatta förhållningssätt kan sammanföras till en enhetlig konstnärlig helhet. Metoden innefattar att arbeta med flera nivåer av instruktioner, från noterat material till grafisk notation, samt att undersöka improvisationens och intuitionens roll i musikers tolkning. Resultaten belyser både de utmaningar och möjligheter som uppstår när strikt form möter kreativ frihet.
Nostalghia - minnets rum och klang Om ett poetiskt komponerande för orgel
(2025-06-18) Almström, Johan; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
Följande arbete är ett första steg mot att teckna en egen, personlig kompositionsprocess och ett utforskande av det egna kompositionsarbetet. Detta sker genom en fördjupning i författarens kompositionsprojekt för piporgel via ett antal teoretiska perspektiv på nostalgi, kyrkorummet, orgel och komposition. Författaren samtalar med ett antal röster (Karin Johannissons idéhistoriska bild av nostalgi, Per Magnus Johanssons psykoanalytiska perspektiv på konstnärskap t.ex.) som skapar en väv av tankar och perspektiv genom arbetet.
Before Jazz Had a Name
(2025-06-18) Eggertsson, Tómas; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This independent artistic research project focuses on Symfoniskt stycke för orgel by Swedish composer Harald Fryklöf, composed in 1916 and originally titled Konsertstycke (In stile profano). Through performance, analysis, and creative transformation, I explore how Fryklöf’s harmonic language anticipates jazz idioms, especially in the use of block chords and extended harmonic colors. Drawing from the Adagio section, I experiment with alternative harmonizations using jazz-inspired techniques. The project also documents my development as a performer and improviser, linking historical repertoire with contemporary approaches. Audio and video recordings of my performances are included to demonstrate both traditional and innovative registrations. This study sheds new light on Fryklöf’s music while reflecting my personal voice as an organist and artist. The project is submitted as part of my Master’s studies at the Academy of Music and Drama in Gothenburg.
Tonkvalitet Konstnärlig undersökning av en markör som särskiljer bra från utmärkta violinisters klingande gestaltning.
(2025-06-17) Dahl, Emma; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
Detta självständiga arbete undersöker tonkvalitet vid violinspel. Mer specifikt undersöker jag ämnet genom att söka svar på frågorna hur jag kan arbeta för att förbättra kvaliteten av toner samt vad som skiljer en ton med hög kvalitet från en utan sådan? Jag undersöker ämnet genom att arbeta med tre utvalda delar ur Sibelius violinkonsert. Jag applicerar olika övningsstrategier med målet att hitta effektiva sätt att förbättra tonkvalitet på dessa speltekniskt varierande ställen. Det mest centrala verktyget är det egna instrumentet och ett experimenterande i övningsrummet varvat med reflektion och övningsdagbok. Med hjälp av tidigare forskning undersöker jag definitionen av en högkvalitativ ton, vad det innebär samt vad små skillnader i kvalitet kan bero på konkret för att sedan kunna åtgärda eventuella brister
Why is It (Not) Difficult to Compose for Organ? A Project Study on Compositional Challenges in a Musical Craft
(2025-06-16) Solti, Árpád; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This thesis investigates the specific challenges and compositional strategies involved in writing for the organ from a contemporary perspective. The central research questions are: Why is it difficult to compose for the organ? and What fundamental knowledge is required to do so effectively? Drawing from the author’s own creative process—including the composition and premiere of an original prelude and fugue—the study examines both technical and artistic considerations. The project combines artistic research with reflective documentation. A detailed log book traces the compositional development, from initial sketches to the final performance. Key aspects such as registration, manual division, notation choices, and instrument-specific adaptation are explored. The work also identifies core skills that organ composers should master, based on both traditional practices and personal discoveries. The main results highlight the importance of understanding the organ’s physical limitations, the diversity of instruments, and the adaptability required from both composers and performers. Furthermore, the project suggests that composing for the organ becomes more intuitive and expressive through iterative practice, dialogue with performers, and hands-on experimentation. The thesis concludes with a summary of practical insights for future composers and reflects on the artistic growth that emerged through the process.
BETWEEN FLUTE AND PICCOLO Exploring Switching Between Flute and Piccolo with Stravinsky’s The Firebird Suite as an Interpretational Case Study
(2025-06-13) Puolamäki, Sonja; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
In this thesis I have explored what happens in my playing when I change between the flute and the piccolo. This thesis supported my daily practice and gave me ideas how to improve my playing technique when switching between the two instruments. I also included a symphony orchestra setting, where a flutist often has to change between instruments, and used Stravinsky’s The Firebird as a case study. To analyze my playing, I recorded audio materials from my seat in the orchestra, so I could have a better understanding what my playing really sounds like. Since I have played the flute much longer, and already had a good technical competence, this thesis focuses more on the piccolo. Especially on the moment when I change from flute to piccolo. The purpose of this thesis was to help me gather my own realizations in my playing technique and interpretation of my part in orchestra and at the same time offer inspiration and insight for anyone interested on the subject. My realizations in this thesis come from an individual perspective that is based on my own anatomy and to the instruments I use. I gathered information focusing on the technical aspects of playing my instruments, and what happens physically when I change instruments. Exploring these aspects gave me an understanding of what are the most important things I should focus on. These include for example embouchure flexibility and air support.
En vinterresa
(2025-02-11) Kristersson, Sven; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
The thesis is an attempt to describe the artistic process behind the performance En Vinterresa, a dramatic monologue conceived around Franz Schubert s song-cycle Winterreise. One of the artistic aims with the project was the singer's and the director's common urge to communicate Schubert's songs to groups of culturally interested people who normally do not get in contact with this particular kind of music, i.e. classical art-song with piano accompaniment. The description of the process is articulated in relation to Winterrese 's historical background, and in relation to different theatrical and literary traditions, such as those of Dario Fo and Peter Brook. Since one important point of departure for the manuscript writing was the "hidden" dramaturgy of Wilhelm Muller s poems contained in the cycle, an analysis of the poems in relation to their historical and literary context is made. There is also a description of the connection between the results of this investigation and the newly written monologue. Stage rehearsals are also dicussed in relation to this continuing manuscript process. The translation from German to Swedish that was made especially for the performance, is discussed in a comparative manner, using an older translation as a point if reference. Two new, smaller musicological tasks are sketched in the fields of a) the slow mazurka rhythmic characters of several songs contained in the cycle and b) Schubert's possible way of creating the piano parts of the songs with inspiration from other instruments such as the guitar and the cimbalom (cymbal). In a final, evaluating chapter reflections are made on artistic aims initially set in relation to results finally achieved. Several newspaper reviews of the performance are also used in this discussion.
Bartók på pukor - Ett utforskande av musiken i relation till instuderingsprocessen
(2024-08-28) Johansson, Lydia; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
I detta arbete har Béla Bartóks (1881–1945) sätt att komponera för pukor undersökts. Flera av hans timpanistämmor har instuderats, där stämman ur Sonata for Two Pianos and Percussion gavs störst fokus och framfördes med ensemble. I syfte att dokumentera processen och möjliggöra analys av den har processdagbok förts och videoupptagningar gjorts. Genom arbetet med timpanistämmorna har deras karaktäristiska egenskaper formulerats samt utmanande faktorer som pukisten möter i stämman från Sonata for Two Pianos and Percussion. Vidare har denna process möjliggjort reflektioner om den personliga instuderingsprocessen i relation till Bartóks musik, vilket har lett till insikter om vanor relaterade till den
Staging Inquiry
(2024-08-22) Aas, Inga Margrete; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This thesis explores the possible meaning of the concept staging inquiry through reflection on three compositions by the author, a theoretical part and reflections on artistic work from other composers. If understood in a wide sense, it’s possible to say that almost any artwork is an inquiry. In the case of staging inquiry, I’m referring to art works that are not just prompted by inquiry but that somehow displays, stages and performs an inquiry. In addition, the inquiry is something that lies outside of the medium and is intertwined as another layer of meaning and content that can overlap, merge and contrast the art work’s medial unfolding. It’s not about the art work’s attempt to understand it self, its conditions and materials, but about the art work as a site for a kind of philosophical inquiry.
Exploring interaction in chamber music ensembles by means of group exercises
(2024-07-03) Berghäll, Matilda; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
The purpose of my independent project is to look more closely at interaction/communication and contact in small chamber music groups and find out if there is a way to improve that aspect of playing together with the help of exercises, that I have found in the literature about small group pedagogy, through my own experiences during studies and interviews for my bachelor’s thesis. In this project I am bringing different exercises to light with the purpose of adapting them to be used with small chamber music groups. With the chosen exercises I conducted a one-group pretest-posttest research with a duo, documenting, recording and analyzing the results. The most important results show that the selected exercises have a positive effect on many aspects of interaction and contact as well as the musical result.
Pipor - Koralvariationer i klusterskulpturer
(2024-06-20) Louise, Jansson; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
I föreliggande arbete Pipor - koralvariationer i klusterskulpturer beskrivs en kollaborering mellan två olika konstnärliga uttryck där jag själv är utövare som organist och keramiker. Jag undersöker hur de två konstnärliga uttrycken kan samverka samt hur de påverkar varandra i olika processer och konstnärliga beslut. Arbetet har resulterat i ljudande skulpturer. Den konstnärliga processen har en utforskande karaktär som vilar på ett dualistiskt fundament, dels existentiellt, dels kommunikativt. Den existentiella delen handlar om att problematisera och utforska vad en orgel och vad kyrkomusik är, medan den kommunikativa syftar till att begrunda hur man kan kommunicera orgel- och kyrkomusik. En av grundstommarna i arbetet utgörs av cirkulär rytmik och repetition. I mänskliga relationer, i vardagens göromål, i allt slags lärande och i kyrkans uttryck finns rytmen som grund, den finns i våra cirkulära liv. Dag som blir natt som blir dag och årstiderna som cykliskt byter skepnad. Den cirkulära livsrytmiken sker i repetitiv form. I detta projekt träder rytmiken fram på olika sätt i dess delar: i pipformernas likheter och olikheter med cirkelformens återkommande, ostinatoliknande repetition men också i de skulpterade klustrens färgkombinationer och förhållande till varandra. Rytmiken uppträder också i den musikaliska framställningen där en enda idé fått utgöra grunden för varje musikaliskt parti. Slutligen blir mångfalden av liknande bilder genom sin repetitiva rytmik en förstärkning av varandra till att utgöra en större bild. Det musikaliska stoffet har sin utgångspunkt i de fyra elementen vatten, eld, luft och jord. De musikaliska partierna består dels av variationer utifrån koraler ur den svenska psalmboken och som på något vis knyter an till något av de fyra elementen, dels av rena improvisationer som också är kopplade till elementen. De skulpturala formerna påminner om ett orgellandskap med pipor uppradade bredvid varandra men de påminner också om organiska former som man kan finna i naturen. På så vis återspeglas de fyra elementen även i skulpturernas former och färger.
Inwards Listening: Meditations on Sound in Search of Silence
(2024-06-20) Lundberg, Marcus; University of Gothenburg/Academy of Music and Drama; Göteborgs universitet/Högskolan för scen och musik
This thesis, on the one hand, constitutes an exploration of silence within the realm of new music; on the other, it is an attempt at outlining and articulating a particular musical aesthetic. The author — a composer of predominantly quiet music — strives to demonstrate the ways in which silence has influenced his compositions and overall artistic practice. Silence, quietness, stillness: throughout this thesis it is argued that these qualities of sound (alone) can instil a state of listening which is at once attentive and relaxed: meditative. This notion is explored through four of the authors musical works (Gömd, Silhuett, Spegel and Places, nowhere), alongside other relevant works within the field of experimental score-based music. By deconstructing this musical aesthetic into four distinct parameters — time/stillness, space/emptiness, listening/focusing and silence/ silent — and by reflecting on each parameter along with the underlying themes they entail (such as solitude, attention spans and nature), the author aims to explore and attempts to describe what throughout the thesis will come to be referred to as silent sound, and the extent to which it can shape and expand the listening experience. This thesis does not seek to arrive at any truth, rather it focuses on compositional practices and experiences of sound and in doing so opens up for further reflection and discussion on topics such as listening, perception, attention and silence.

Browse

Recent Submissions